Au début du XXe siècle, certains chorégraphes tels que Martha Graham, Isadora Duncan ou encore Loïe Fuller rejettent la rigidité de la danse classique et souhaitent troquer leurs pointes pour leurs pieds nus. C’est une première étape à la danse contemporaine, appelée la danse moderne.
Dans les années 1920-1930, la danse moderne s’institutionnalise avec des chorégraphes qui développent de nouvelles techniques, se basant sur la gravité, le poids du corps et le ressenti intérieur. Le but est de faire ressentir des émotions tout en explorant la respiration. Martha Graham est à l’origine de cette technique appelée « contraction et relâchement » qui marque profondément l’histoire du contemporain.
À partir des années 1940-1950, de nouveaux artistes se tournent vers ce mouvement en le développant. Nous pouvons par exemple citer Alvin Ailey, aussi connu pour sa participation à l’évolution du modern jazz (voir focus), qui explore à travers ses chorégraphies visionnaires l’expression des émotions tout en apportant des touches de sa culture afro-américaine. D’autres, comme Maurice Béjart et Merce Cunnigham, vont choisir un aspect plus conceptuel et abstrait, et ce, en collaborant avec des pionniers de la musique concrète, tel que John Cage, ou encore du pop art, comme Andy Warhol. Cela permet au mouvement d’être en dialogue avec les autres arts de l’époque. Cela permet de proposer une danse dite plus « pure » avec une certaine autonomie et indépendance dans les mouvements, mais aussi dans la musique.
Cette danse explore des thèmes plus personnels et abstraits que le ballet romantique, tourné vers le féérique ou la mythologie. Elle se sépare du spectacle classique pour devenir un art à part entière avec l’expression de gestes bruts, de l’irrégularité dans les rythmes et de l’épuration dans les scénographies. Elle libère aussi le corps de la rigidité imposée dans le ballet en devenant un espace d’exploration et d’expérimentation en permettant à la danse moderne d’évoluer en danse contemporaine.